美国教育:不同寻常的一面

国内对美国教育的报道大多集中于中学及大学。而教育其实贯穿整个人生:绝大多数人的教育始于幼儿园;除了在正规的中学大学读书外,我们也需要经常去业余培训学校补充在本校里学不到的知识。另外,不是每个人都能完成正常的12年中小学教育,比如触犯法律或者因为一些特别经历而不得不进入一些特殊学校接受教育的。本文将通过作者在美国所参观的三类学校:幼儿园、业余艺校及美国的特殊高中,呈现给读者更加完整与真实的美国教育体系。

美国的幼儿园

我的一位美国朋友在宾夕法尼亚州的一个私立幼儿园上班, 专门照顾3-12个月大的婴儿。来看看,美国的幼儿园是如何看顾婴儿的?

在美国的幼儿园,对于3-12个月大的婴儿(美国3个月大的婴儿就可以开始送幼儿园),一个看护最多只能看护4个(具体数量不同的州法律可能有不同规定,但基本上就是4-5个),再大些的孩子则可以是5个。而且不同年龄段的孩子必须有不同的、独立的房间。房间里能放什么,不能放什么都有严格的规定。比如说,进入婴儿室所有人都必须脱鞋。

这是婴幼儿室。因为宝宝都喜欢在地上爬,所以访客都必须脱鞋进入。

这是婴幼儿室。因为宝宝都喜欢在地上爬,所以访客都必须脱鞋进入。

令我比较意外的是,婴儿组居然也有课程表。当然,对这个年龄段来说,照顾好他们的吃喝拉撒睡是最重要的。几点睡觉、睡多久、几点需要叫醒喂食什么的都有严格的时间规定。课程表是这样的:听适合宝宝的音乐,同时帮他们做简单的四肢运动,基本上就是老师抓住孩子的手脚,帮他们活动;锻炼他们爬行;给他们看图画,通过读画认识数量和动物、花草;用手涂鸦等。一周的看顾费用一个孩子200多美元,300不到。
课程表规定了几点钟孩子应该做什么,做多久。由于婴儿的睡觉时间是不确定的,铁皮上则记录了具体每个孩子具体的吃饭、睡觉及运动时间。

课程表规定了几点钟孩子应该做什么,做多久。由于婴儿的睡觉时间是不确定的,铁皮上则记录了具体每个孩子具体的吃饭、睡觉及运动时间。

只要气温达到规定标准,老师们就要每天在规定的时间带孩子们做些户外活动。不同年龄段“放风”时间不等。

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前面说过,每个老师看护的孩子数量有严格规定。那么老师如果吃饭或者去洗手间怎么办?学校为此专门安排了一个兼职老师,她的任务就是给每个老师轮流替班。虽然这种替班基本上只有10几分钟最多30分钟的时间,但老师之间的交接班时依然有严格的交接手续,不是说一声“我来了,你去吧”即可。每个孩子都有自己的铭牌。暂时离岗的老师要把每个孩子的铭牌与孩子(人与物)一一对应地交给来替班的老师,以保证没有人被遗漏。当原班老师回来,同样的手续要再交接一遍。

艺术是孩童启发教育中不可缺少的一部分。小孩子可能不会阅读,不会说话,都这并不影响他们随手涂鸦。

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爱的教育,也是孩童教育的重点。校园内报栏里有每个孩子和父母的合影及孩子对父母、父母对孩子的爱的宣言。

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教孩子科学知识,就是在安全前提下直接做试验,比如这个物理学中的浮力测试。

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艺术培训学校

纽约哈雷姆艺术培训学校(Harlem School of Arts)由一位美籍非洲裔建立于二十世纪四十年代。是一所专门为18岁以下青少年提供艺术培训的非盈利机构(貌似我国的艺术培训机构都是盈利机构啊)。与国内艺术培训学校不同, 该机构的收入主要依靠个人或者机构捐款,因此学费低廉,适合中低阶层的孩子同样能受到艺术的熏陶。

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因为预算紧缺,美国政府削减了公立学校的教育开支,关闭了部分学校,导致许多中小学老师失业,孩子们被迫转学(所以,没有完美的世界)。此外,公立学校还取消了艺术课程,因为这门课被认为不实用,取而代之的是科学和数学这类更实用的课程(很像我们说的“学好数理化,走遍天下都不怕”啊!)。所以更多喜欢艺术的孩子不得不在课后转到这类专门的艺术院校来培训。而取消艺术课程的决议也遭到众多家长也学者的反对。目前有批学者也开展了专门的学术研究,以期证明有艺术学习经历的孩子更具有创作力。

哈雷姆艺术培训学校包括绘画、摄影、表演、雕塑、钢琴、架子鼓等多种培训内容。

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这个是一组6-7岁儿童的画作。我知道,国内同龄学过绘画的孩子技术水平肯定超过这些。总体感觉,我们的训练集中在技法,欧美则偏重情感表达。特别喜欢中间这幅作品。虽然很简单,但是小女孩忧伤的情绪一览无余。

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雕塑室与孩子们的雕塑作品。

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学生的汇报演出。小小孩上台都有老师陪着的。孩子们基本上也只是单手弹奏些简单的音符。这个小女孩一只手弹的就是1到2个音符,老师的一只手则会伴奏些旋律,听上去倒也像是首曲子。对这个年龄的孩子来说,这样的表演主要还是提升舞台表演的心理素质,而非弹奏本身。观众们(大多为家长)似乎并不关心他们演奏的技巧,更重要的是参与者的自豪感与幸福感。这一点和中国的艺术培训差异很大。不到一定的水准,估计很难上台。

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爱子之心,不分国籍。

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特殊学校

通过一家公益机构的介绍,我受邀去纽约一所特殊中学给大家介绍中国的文化。之所以称为“特殊中学”,是这里的孩子都因为一些特殊经历,未能按时完成高中学业,因此,他们大多都是20-23岁,就读高三毕业班。这些孩子,有的像我们国内的有违反校规或者国家法律的未成年人;也有未婚妈妈。这些学校有些像我们的“工读”学校。但我不知道我们的工读学校的课程是否按正常的学校授课。我以为美国政府做的很好的一点,就是他们尽可能不放弃任何一个年轻人,保证他们能够接受最基本的高中教育,并送他们去大学(虽然大多为基层的社区大学)。国内的工读学校出来的孩子不知道是否能有这样的待遇呢?

我去讲课前,公益机构的负责人再三告诉我,希望我不会被这些学生的样子吓到。因为他们大多五大三粗,说话粗鲁。不过我一直相信,这个世界上本性极恶的人是极少数的——更何况他们都还如此年轻。他们的经历,大多源于家庭的贫困及缺乏适当的教育所引起的。虽然身处纽约,这个全世界的中心,但是这里一些孩子从未走出过自己生活的社区。(所以,美国一样有贫穷、有狭隘)。

到了那里,正值午餐时间,只有几个学生在教室。据老师介绍,学校会给家庭经济收入在一定标准下的孩子提供免费午餐,但是许多孩子放弃了这个福利。原因是“他们不希望自己被视为穷人家的孩子”。(全世界的孩子的自尊心都很强啊!)

上课的时间到了,老师开始叫“上课了,上课了”。学生开始三三两两地进来。大概过了几分钟,老师建议我先开始,不用再等未到的学生,所以估计学生经常上课迟到。我讲课过程中,还不断有人进来。他们没有表情,没有抱歉,只是径直地走向自己的座位坐下。我讲课的同时,下面总有几个女孩子嘀嘀咕咕地也在讲话。老师看不下去了,就说:“要么停止说话,要么请出去。”结果讲话的两个女孩真的就出去了。

下课后,我和这些孩子们做了些简单的交流。毫不意外,对于这些孩子来说,“中国”是如此的遥远与陌生(虽然我们身处“全球”时代)。当他们得知中国的高三学生过的是“学海无涯”的生活,而且一年一度的高考几乎决定了他们此生的命运时,感觉还是在美国参加高考更好。即使对于这些特殊学校的孩子,他们也认为自己考个一般的社区大学是没有问题的。我不知道国内的工读学校的孩子毕业后会还有这样的自信吗?

(除特别说明外,文中所有图片为作者拍摄)

设计师品牌JINNNN新品发布

去看这家新开的AUNN CAFE 店看了这场JINNNN的秀。白色毛坯房,屋顶外露的金属管道,摇滚乐,还有身着潮衣潮裤的男男女女,有种恍如身处纽约的感觉。

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喜欢AUNN CAFE 的设计,特别是延伸到街面的露台,将上海滩静安寺的繁华与热闹尽收眼底。Cafe是朋友开的,据说所有的桌子与椅子全部3D打印。听此说明后,我又专门去摸了摸桌子和椅子(想知道他们的牢固性),不说真感觉不出和平常桌椅有何区别。这个世界真是变化太快,未来全部3D打印,人估计啥也不用做了,只要动脑即可。顺便说下,这里咖啡和甜点的价格很实惠。咖啡25左右,甜点35左右。

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上海的外滩,淮海中路和南京西路聚合了全上海最潮的人。这群全上海最潮的人群,也代表了世界的潮流。除了肤色尚不够多元化,不过这不是他们的错误。

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现场DJ,现场说唱开场。

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JINNNN这个牌子第一次听说。不过还算有自己的风格。全部是Raw Denim,没有经过水洗。不同面料拼接也很多。对做工要求比较高。不知价位如何? 40岁以下女人都可以穿,虽然貌似对身材有些要求。适合买手店。独立做品牌专卖店就看产品线能丰富到啥程度了。

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第二组。

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秀场布置不错。日光灯组成T台,没有座位,省去了排位烦恼。其实设计学院也可以考虑在这里做毕业展啊。动态可能空间有些小,做场静态展绝对有趣。去年在纽约看的Parsions MFA毕业展也是在个类似空间。

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中国时尚:对话中国服装设计师(解放前的中国时装【下】)

本文只提供部分内容,内容来源于《中国时尚:对话中国服装设计师》(中国纺织出版社2014年)。未经授权,本文不可转发用于商业用途。

本博客每二周提供一次更新。

时装中心的形成及中国最早的一批时装设计师:上海及上海的时装设计师

女装裁缝的诞生

因为最早成为开放口岸,西方使馆和商人也较为集中,上海成为旧时中国的时尚中心。那时许多的中国裁缝是可以直接用流利的英语与西方客人交流的。今天即使是这样的设计师都很难找,就不要说这样的裁缝了。语言沟通能力使这些旧时代的裁缝从西方商人那里即学到了技术也学到了先进的管理经验。好莱乌电影、英语时装杂志、社交舞会和其他西方生活方式影响改变了当时上海的中国年轻人的日常生活。

西装的繁荣很大程度地刺激了红帮裁缝的成长。对于本帮裁缝来说,做男装和女装并没有太大的差异。而当这些裁缝从本帮转向红帮时,他们发现为女装与男装的裁剪技术有着很大的不同,原因是西式裁剪很讲究服装的合体性,而男性与女性的体型截然不同。因此,从红帮裁缝分支了一个“红帮女装”的队伍出来。红帮女装的裁缝主要做女装,包括女式西服套装,裙子和礼服。而红帮裁缝主要做男式西服。

根据上海档案馆保留的资料,在中国第一个学习女式西服裁剪方法的人叫赵春兰。他被认为是“中国时装之父”。赵春兰1820年出生于一个上海裁缝之家,孩童时代就被送去一个教会服侍。1848年,他随同一个牧师抵达美国,在那里学习了西式女装的裁剪技术。回国后,他又把裁剪技术传授给了他的中国徒弟。

当时装生意越来越红火时,红帮女装裁缝便逐步将生意从定制扩展到成衣领域,并在不同的商业街开了连锁店。同时他们把他们的名字从“裁缝店”改为“时装店”。“鸿翔”,则是被广泛认为当时中国最具影响力的时装品牌之一,是一个了解中国第一批时装公司的最佳案例。

鸿翔:中国第一家有影响力的时装公司

鸿翔是1917年由上海两兄弟――金鸿翔和金义翔建立的,是中国第一家用”时装"命名自己公司的服装公司。根据其后人――创立者之一金义翔先生的儿子金泰钧所言,中文的”时装"这个名字,最早是由其父辈的一位文化友人起的,意为“符合时代的服装”。

在人员架构上,鸿翔学习了当时西方时装公司的作法,设立了设计师,试衣模特及橱窗陈列师的 职位。根据金泰钧先生所言,这三个职位当时都由来自于上海犹太难民营的犹太人所担任。

另外,金氏兄弟也很擅长利用名人效应来推广自己的产品。每缝一些电影明星或者名人的生日,兄弟两总会制作些精美的礼服赠送给他们作为生日礼物。例如,应当时的中央政府之邀,他们在1947年为当时的公主伊丽莎白,现在的伊丽莎白女王的婚礼赠送了一条传统的中式红色婚礼服。礼服上装是件小红袄,下配百褶长裙,用金线绣上凤凰——在中国传统文化里,只有“皇后”才配得上“凤凰”。礼服被包装在一个贵重的红漆木盒,由弟弟金义翔和其子金泰钧通过当时的英国驻上海领事馆转送公主。不久以后,鸿翔公司收到了公主亲笔写的一封感谢信。鸿翔公司随后复制了一套一模一样的礼服,将它与来自英国公主的感谢信一同展示在店铺的橱窗里,在当时引起极大轰动。

潮流的设计,精湛的工艺,先进的管理方式,鸿翔吸引了当时众多的诸如电影明星、官太太及富有商人的社会名流。鸿翔的名字时常可见于当时流行的小说、电影、报纸。

不仅如此,鸿翔也是当时上海时装业的有力领导者。首批的上海“甲等”时装公司,是由当时上海最好的八家时装公司组成,这其中就有鸿翔。而另外其他七家公司的老板,在建立自己的公司前,都曾经在鸿翔做过学徒工。在当时的上海,只有一流的服务,精湛的工艺,并且在市场上有影响力及良好口碑的公司才可得到“甲等”称号。这些甲等公司的商铺,均处于类似于上海南京东路这样的一级商业地段。根据当时的政府规定,也只有甲等时装公司才有资格在南京东路这样的主流商业街道开设商铺。这八家甲等时装公司还组成了一个俱乐部,定期聚会,调研商讨时尚潮流,可以说是一个引领当时全国时尚潮流的聚会。

1928年,兄长金鸿翔在朋友和政府的支持下,在上海设立了第一家时装行业协会。协会主要目的是为了协助政府贯彻执行相关政策,做市场调研,从会员公司收集对政府的反馈意见和建议,协调劳资纠纷,或者公司之间的问题等。(根据上海档案中心档案Q243-4-1)。1949年中国解放后此协会也随之解散。

鸿翔因此成为解放前中国时装史上最有影响力的时装公司之一。解放后,鸿翔被收购成为国有企业。之后金家唯一还在服装行业工作的只有创始人金义翔之子金泰钧先生。泰钧先生也是新中国最早一批时装设计的教育专家,是中国时装史上的重要贡献者之一。

(更多详情请见《中国时尚:对话中国服装设计师》

海外媒体和出版业

服装领域学者研究生应当关注此消息。第一本欢迎非英文作者投稿的英文服装期刊上市1年多了。上市后挺受学者欢迎。期刊名为International Journal of Fashion Studies。主要目的是打破语言障碍,吸引更多不会英语的学者参与。毕竟,英语不好,不代表学者的学术水平不好(虽然也有挑战,比如看不懂英文可能就忽略了本领域的最新研究动态)。不过期刊的初衷是对的。在中国,日本,韩国,拉美,有大批本土优秀学者,不会英语,但掌握了丰富的学术知识与资源,可惜大多不为外界所知。WeChatImage635809549630700726

借此我也来谈谈我接触过的海外出版社和媒体。

出版社方面,海外我有过接触的有Bloomsbury、Fairchild、Routledge还有哥伦比亚大学出版社。Bloomsbury最早是文学出版社,哈利波特就是由他们出版的,后来收购了Berg,视觉文化与艺术的顶尖出版社Fairchild则是服装专业教材出版商,他们的书几乎占据了国际服装院校reading list的半壁江山。Routledge,人文与社科类的一流出版社,作者包括爱因斯坦,还有哲学家罗素等大师。至于哥伦比亚大学出版社,即使是路人应该也知道哥大。

Bloomsbury_logo

也接触过海外媒体,当然,基本以时尚、设计、艺术类为主。主流和非主流的独立媒体都有。说说我认识的两家独立媒体。一家是跟我有合作的设计类媒体,由一位法国人(优秀的英文水平,法国人说那么好英文的真心不多)创立,囊括了各类设计,如建筑、衣服、产品、人体等。其视角的独特性在于,通过设计探讨政治、社会、经济问题。而且,基本上关注的都是西方主流设计类媒体不太关注的到期,例如中东、非洲、亚洲之类的国家。作者大多为当地人,所以视角很丰富。

另一家独立媒体属政治类,是马来西亚的,由一群独立政治学者和观察家建立。为了保证内容及评论的客观性,他们从一开始就采取收费模式。并向读者解释,如果想知道真正的真相,看到真实的评论,他们必须摆脱广告模式。当然,他们的内容也必须精彩。结果,他们确实依靠收费取得收支平衡。这再次证明,“内容为王”。

独立媒体为了保证独立性,都收费阅读,而不是靠广告盈利。听上去这类经营模式很不靠谱,多少大牌的杂志报社倒闭,凭什么这种小众媒体就可以生存? 有意思的是,他们至少都活着。

海外的编辑似乎在策划与内容上,能提供更多有建设性的建议和意见,所以前期主题策划会花费很多时间。另外,第三方的匿名审稿的反馈意见对作者(这个主要是学术出版)的帮助巨大。反馈很全面细致。大到主题、结构、资料可靠性,小到语法错误,都标记清晰。总之,收获很多。

在国外给出版社或者期刊投稿,认识不认识人没啥关系。每个官网编辑的联系方式都很明确,投稿要求和流程也很清晰。所以,只要你的内容好,编辑都会有跟进。即使你的内容不适合,他们也会礼貌的回复说明不采用的原因。国内貌似不认识的出版社发邮件没用啊。

时装周的前世今生

这几日,朋友圈大多在刷时装周。每年2季,无论是否有灵感,有精力,设计师都必须在deadline之前完成几十款的衣服的设计与制作。这也是媒体和买手最忙碌的时候。当然,还有明星名流们。不过,不知道有多少人知道全球第一届时装周是在哪个国家举办的,其目的与宗旨又如何。

时装周的前身是“时装媒体周“。第一届由美国传奇女性Eleanor Lambert创立。Eleanor年轻时,就有算命的说她会活到100岁,而且会成为时代人物。事实是,她真的活了100岁,并成为美国的时代人物。她是美国服装设计师协会(CFDA)的创立者;第一个创立了成衣设计与生产理论的人。在此前,时装业还以定制为主。Eleanor发现在实际操作中,批量生产的成衣与为个人定制的设计与制版方法上有差异。

(Eleanor Lambert,图片来自网络)

(Eleanor Lambert,图片来自网络)

1943年,正值二战期间,法国的时装业受到严重打击。世界各地的媒体和顾客无法再飞到巴黎看设计师的发布会。美国一直想打破以法国为全世界时装中心的魔咒,机会在此刻出现。Eleanor 趁这个机会,在美国举办了时装媒体周。将美国设计师作品集中到一起,在同一时间和空间展现给来自世界各地的媒体。自此,American designers终于赢得世界级媒体的注意。特别是Vogue原本只报道法国设计师,开始报道冉冉升起的美国设计师新秀。

从此,1年2季的时装周就成了固定仪式。相当长一段时间,时装周就是一个商业盛会。设计师present,媒体报道评论,买手下单。可是越来越多的名人的加入,逐渐让时装周变成一场娱乐明星秀。媒体的关注点,也从服装转为名人。

在国内,早期的时装周基本上是自娱自乐为主的。虽然一路上走来,被诟病不少,但回头来看,如果没有这些年的1自娱自乐所做的积累,中国今天的时装周和设计师也不会达到现今的水准。

不过事物都有两面性。花数十万到数百万,只是为了呈现一场十几分钟的秀,所有的布景很快会被拆掉,是不是有价值的投资? 虽然这一形式似乎已成为惯例。但是从商业角度而言,真正要了解设计师产品有很多方法:静态展,或者简单的搭台由模特儿展示一样可以达到目的。现在的一些秀,有些本末倒置。秀的形式大于内容。耗费巨资,浪费巨大。虽然在视觉上给人更大的震撼力,但是想想这只是一场让人的感官兴奋10几分钟的秀,不免还是让人感觉浪费。

另外国内各地扎堆式的时装周,也令人疑惑不解。中国国际时装周 和上海时装周 作为两个老牌的时装周基本形成自己的风格。前者注重成熟品牌,后者推进新锐设计师。但是宁波,青岛,深圳,重庆,虎门,还有三四线城市都做时装节,不知为了啥?更多的城市做时装周,不一定是坏事。但是,扎堆做一样没有自己特色的时装周,有何意义? 服装污染及浪费那么大,怎么没人做“可持续时尚“板块?

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上海时装周Grace Chen高定秀

上海时装周高定周,GraceChen高定秀。

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我最喜欢的小红裙,婚礼穿它应该很棒!GraceChen应该深度挖掘”小红裙”的元素,做成好似little black dress的经典款。

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发几款我会穿的吧。顺便说下,模特儿太不容易了。周围人都嫌我瘦,我其实没有刻意追求瘦。可是看看这些模特儿,我都觉得心疼啊。

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Grace Chen在我看来就是一匹黑马,而且跑得越来越快。美国市场10余年的熏陶没有白受。市场嗅觉很好,紧紧抓住了中国40到60岁的高端女性,这个被主流市场忽略的年龄。这些女性,基本在机构担任要职,独立,自信,社交需求多,需要高端礼服。现在新生品牌都在做80,90后,逐步遗忘了我们这些60,70后。可是,别忘了,这个群体才是最有财力的群体,而且,她们没有因为青春年华的逝去而放弃对美的追求。

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这个世界,最终只会记住两类设计师。一类是conceptual designer。他们创立了自己独特的审美体系,并且对后人产生了巨大的影响。比如Yves Saint Laurent ,Christian Dior, Coco Chanel, Hussayn Chalayan, Givenchy…近的则有三宅一生,还有Alexander McQueen。值得一提的是,这类设计师的衣服不一定能直接创造商业价值(但通过品牌策略则可以间接创造价值)。所以,这类设计师,不能用商业规模衡量其好坏。

曾有海外朋友问我,中国有自己的conceptual designer吗? 我以为现在没有。但是,马可很有希望。等她再老些。如果她的無用能再坚持10年,同时个人的美学观再塑造得更鲜明些,并在理论上形成个人风格,就很有希望。至少,中国设计师里面,她是少有对青年一代产生了一定影响的人。在海外时尚圈,如果这个人只知道一位中国设计师,基本上就是可可童鞋了。

另一类会被记住的设计师,则是那些在商业上取得可持续成功的人。所以,如果你判断自己并不具备成为conceptual designer的天赋(我真的相信成为这类人需要极好的天赋),不如老老实实地奔着商业目的走。许多新生代设计师认为为了商业似乎就是在向世俗妥协,在牺牲自己的创意。其实,这个完全取决于你如何看待设计。如果你把设计当作自我表达,那么商业就是妥协。但如果你把设计当作对人的服务,那么商业就不会是妥协。

人人都应读的关于服装的十本书

每个人都应该阅读的关于“服装“的10本书:与美丽无关。这10本书让你重新认识服装在社会、文化,经济与政治的关系。遗憾的是,中国尚且没有这类级别的书。

1. The Battle of Versailles(《凡尔赛之战》)这本由2006年普利策奖获奖人,《时装与政治》作者,华盛顿邮报时装编辑Robin Givahn完成。该书讲述了1973年,以”慈善募捐“为名义,实际上是为了打破当时以巴黎为中心的时装体系,美法之间所做的一场“对抗赛”。美国派出5个设计师, Oscar de la Renta、Bill Blass、Anne Klein、Halston和Stephen Burrows,对抗当时最如日中天的5个法籍设计师:Yves Saint Laurent, Hubert de Givenchy、Pierre Cardin、Emanuel Ungaro和Marc Bohan of Christian Dior。在数百位来自于政界,时装界及社会名流见证下,美国设计师以简洁,务实的设计取得巨大成功。世界级的时装媒体,商人终于将视觉焦点转向美国时尚。说“终于”,是因为美国从20世纪初就试图打破以法国时装为中心的世界体系,终于在二战期间取得成功。美国设计师开始展露头角,是因为法国此时正被战争扰得如火如荼。不过直到1973年凡尔赛之战,American fashion才真正得到世界的承认! 所以,中国设计师也不必着急,终有一天,你们会成为世界的主角。

2. Power Dressing,由BoF全球主编Robb Young所著,介绍、分析了全球最有影响力的数十位女性政客的穿衣经。包括奥巴马夫人、希拉里、杰奎琳•肯尼迪等。中国的设计师,应该阅读此书,以学习如何为政客设计衣服。

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3. Fashion,由英国著名的服装史学家Chris Breward所著。虽关于历史,但不仅是历史,更是欧洲近150年的文化变迁史。从高级时装、高街时尚、纺织技术到里程碑设计师Coco Chanel、 Giorgio Armani、Alexander McQueen以及时尚与文化的关系,在这本书得到了淋漓尽致的阐述。

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4. Adorned in Dreams是我在2003年在英国留学时让我印象最深刻的一本书。第一次了解fashion可以这样写。此书主要通过欧洲时装的发展史阐述“时装与现代化“间的关系。

5. 这个是Bloomsbury出版社做的Berg Fashion Library,实际是个电子档案库,收录了全球(包括中国),自古至今的服装发展史,及大量珍贵的图片。真希望有国内出版社愿意引进做中文。国内所有的关于西方服装发展史,大多为编辑内容,并且内容分散,各居一方。特别推荐,也因为我贡献了其中中国设计师部分。

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6. Fashion and its Social Agenda,美国社会学家Diana Crane所写,介绍了时尚,与社会阶层及性别的关系。不仅仅是服装学者、媒体人,设计师、社会学学者以及人类学学者的人都该一读。

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7. Distinction,布尔迪也是我很喜欢的社会学家。他写的这本书很有意思。他的“习性”理论,就是我们每个人的习性,是受我们的成长环境、社会地位、性情等影响。本性很难改变。不同的社会阶层,有不同的阶层习性。有意思的是,当一个人的社会阶层改变时,他她也想有意识改变自己的习性。比如,原来吃这样的馆子,阶层变了就要吃代表新阶层的馆子;穿的也一样)。但受习性影响,这种刻意追求的外在改变,难以改变其真正的习性,比如-钱多了,不代表品味相应提升了。这个,或许能解释“土豪“现象。

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8. The Fashion System,(罗兰 巴特)也是社会学经典之作。其最大的贡献在于说明时装的象征意义。时装如何被媒体用作沟通工具,将服装从物质层面提升到精神层面。设计师和媒体人都应该看的书。

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上海时装周栋梁一日

上海时装周栋梁一日的presentation,形式上和在纽约伦敦参加的时装周活动已无区别,除了肤色还没那么多元化。纽约,伦敦成长为国际时装之都,与其城市的高度国际化相关。中国若不开放移民政策,以开放姿态欢迎各国人才,上海永远都成为不了国际之都啊。

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Deepmoss 的作品

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栋梁 一日几位独立设计师作品。几年不在国内,回来就发现这类specialty store发展得如此之快,其中,栋梁的影响力已经远超洪晃的BNC。虽然,这类在国内被称为”买手店”的零售业态在欧美正在受到前所未有的挑战,不过在国内却是一副欣欣向荣的状态。我想,相当一批国内的买手店会在未来5到10年消失,一个重要原因是中国并没有那么多可以支撑这么多买手店铺发展的可持续发展的设计师(虽然每年有很多的新设计师出道)。如果不能做全球采购,就难以持续发展。

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BABYGHOST 以中西合体的方式搭档很聪明。至少风格很适合亚洲女生,虽然presentation显得貌似只有我这样平板身材的人才能穿得下这样的衣服。

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中国时尚:对话中国服装设计师(解放前的中国时装【上】)

本文只提供部分内容,内容来源于《中国时尚:对话中国服装设计师》(中国纺织出版社2014年)。未经授权,本文不可转发用于商业用途。

中式裁缝与西式裁缝

在1949年解放前的中国,裁缝是个比设计师更普遍的词汇。这与西方时装设计发展史相似。在巴黎这个最早的时装之都,大多数设计师都起家于裁缝或者高级时装定制师。并且在早期,设计师和裁缝间的工作差异也并不大。

解放前的中国,和当时世界其他大多数地方一样,大部分中国人的服装都是在裁缝店制作的,而不是从商店买现成衣服穿。在旧中国,裁缝有两个派系。一个称之为“本帮”,意思是“中国传统裁缝”,主要制作当时盛行的中国传统服饰——马褂与旗袍。

当清朝政府打开国门,向西方国家开放了几座沿海口岸城市,更多的海外商人移居到了上海、天津和广州这样的城市。这其中一部分海外商人便从事裁缝生意。他们雇佣中国本地人做他们的学徒或者雇工,并且教给他们西方的裁剪技术。还有一些中国裁缝是通过帮外国人修补西装时了解了西方裁剪技术。这批裁缝就是日后在中国被称为”红帮裁缝”的人。关于”红”字的意义,一个比较流行的解释是在当时中国人眼里,西方人有着白色的皮肤红色的头发,因此”红色”就代表了”外国人”。

传统中式裁缝与西方裁缝的主要区别是当时中式裁缝并没有太多关于“裁剪”的概念。例如,裁剪方面的技术词语“省道”、”分割线”等这类的概念是由移居到中国的海外裁缝最早带入中国的。另外,当时的中式裁缝对于一种利用人台立体裁剪的技术也很陌生。当时的本帮裁缝做衣服就是直接在一块布料上,头部剪个洞,袖口剪刀两个口,即可算做一件“衣服”。尽管缺乏先进的裁剪技术,但是中式裁缝在手工艺上却也独有特点。传统的中式旗袍“镶边”、“滚边”工艺,及领口、袖口、下摆及大身处精致的刺绣即使以现在的眼光看来,也令人赞叹不已。事实上,其中的一些刺绣手工艺也正在面临失传的境遇。

总的来说,大批从西方涌入的移民也为中国裁缝带来了先进的西方裁剪技术,极大地影响了当时中式裁剪的技术。传统的中式旗袍从旗人骑马的直线型挂袍演变成合体的现代旗袍就是个很好的验证。

旗袍最早来源于满族人的骑装。最早这种服装是没有省道也没有分割线的。当中式裁缝从西方裁缝那里学习了裁剪技术后,他们了解到省道可以解决臀围与腰围间量的差异问题,把这个量收起,可以让衣服更加合体。这就是新式旗袍的演变过程。

时装:西式时装的流行

在更多的人从海外移居到中国的同时,影响中式服饰发展的还有去海外学习或者工作的中国年轻人。这种更多的中西方文化的交汇与碰撞也在逐步影响着中国人的生活方式。更多的年轻人,特别是去过西方留学的年轻人,放弃原来的长袍马褂改穿西式服装。

1911年的辛亥革命最终摧毁了清政府王朝,建立了中华民国。政治王朝的转变也将西式服装文化传播到更广泛的人群。同时也是作为一个区别于旧政府的一个标志,西式服装在这一阶段变得更加普及。

不久以后,西服的流行遭到了中国传统纺织厂的反对。西服大多用的是毛料面料,而传统中式服装大多用的是丝绸或者棉布。西服的流行大大影响了传统纺织制造商的生意。作为新的民国政府,应该采取什么样的服装款式才能即区别于旧政府,但又不影响传统纺织行业的生意,在一段时间内曾成为一个争论不休的话题。最终,1912年10月(王,2003版第92页),民国政府正式宣布,“民国政府正式着装要求”是男装为燕尾服和/或中式马褂;建议女士着装及膝长袍下配褶裙。

1911年辛亥革命后,人们的着装也走向两个截然不同的极端。一方面,西服得到热宠,因为它象征着新时代的新社会身份,但这也意味着传统的中国丝绸及棉布纺织业遭遇着破产风险。而另一方面,清朝政府的余势力还在想尽办法恢复自己的旧王朝和象征王朝的服饰。新旧服饰的交替,也代表着新旧政权两股势力的竞争。人们的日常着装也被赋予了浓厚的政治色彩。因此,对当时的政治领袖——中华民国的第一任总统孙中山先生而言,尽快为人们建立一个新的“中式服装”成为一项急需解决的问题。

最终,孙中山先生根据西服特点,结合日本军服款式,创立了一款“中山装”。

中山装以西装的版型为基础,将其改制为翻领,四个贴袋,5粒门襟纽扣,另在每个袖口上装了3粒纽扣。这个新款式也象征了新政府的政治思想:平衡对称的口袋代表了中国文化的核心价值观――平衡与和谐;5颗纽扣则象征了政府的“五权分立”思想:行政、立法、司法、考试、监察。3颗纽扣则反映了新政府的主导思想,该思想也深受美国前总统Lincoln的政治思想影响——“ofthepeople,bythepeopleandforthepeople”。

总的来说,中国的裁缝从中式转向西式与中国历史的发展密不可分。直至解放前后期,更多的本帮裁缝改做红帮裁缝。

《时装买手实用手册》(第一章 买手概况)

本文只提供部分内容,内容来源于《时装买手实用手册》(中国纺织出版社 2014年)。 本书可自当当网亚马逊购得。未经授权,本文不可转发用于商业用途。

时装买手(Fashion Buyer)在国内属于“新鲜”职业,中文一词最早在国内出现大概是20世纪90年代中期。 尽管买手一职其实在国内也有10几年的历史,但是至今国内服装企业对“买手”一词的理解依然千差万别。  甚至许多行业内人士依然不知道买手是干什么的。

其实买手最主要的工作目标就是为各类型的服装零售店铺或者经销渠道组合并采购适当数量与金额的合适商品。  时装买手的核心工作内容全部是围绕“商品”进行的。 这样简单的一句概括, 实际包含了以下三点要素:

  • 合适的商品,即指产品设计符合目标消费者衣着品位、穿着习惯及当地季节气候;商品价格符合目标销售地消费群的购买能力。
  • 商品组合则是指最能够提升并促进销售的商品配搭。 比如低中高价格的组合,上下装、内外搭配装的组合,时尚款与基本款的组合等。
  • 适当数量与金额则是指所采购的商品数量与金额即可以满足销售需求,但也不致于影响企业现金流的周转并给企业带来沉重的库存负担。

为了达到这一工作目标,时装买手需要完成以下工作内容:

  • 通过各种途径了解时尚潮流并预测新一年度或者季节的流行趋势。
  • 与供货商谈判并控制进货成本及货品质量。
  • 提供商品计划,为设计部门提供新一季节设计方向与商品需求表。
  • 与销售部及财务部共制定销售预算并根据销售预算制定货品采购预算。
  • 制定零售价格及促销折扣,从而控制好毛利率及库存。
  • 了解竞争者表现以提升本品牌商品竞争力。
  • 跟踪销售数据并作数据分析。
  • 为新一季节采购商品样品。
  • 参加订货会并订货。