新泽西Mountain Lake周末游 2/2

早餐!

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和女主人带着Mavo和Benny出去遛狗!才发现遛狗也不容易呢!他们力气都很大,很容易就拽着人跑。

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不知为啥,早上遛狗,看到此景,居然想起了库尔勒。其实两地风景并不一样,但是都很辽阔,有着一望无际的感觉。不过估计现在的库尔勒也已被钢筋水泥所覆盖了吧。

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主人家的客厅。基本上来说,楼下就是客厅和餐厅。楼上是卧室。

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这是Brunch。老规矩,一家带一个菜。我这次终于学会做个菜,其实也不算菜,就是用平底锅烤三明治。之前我只会toast。

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这样一套房子,在美国新泽西州,离纽约市曼哈顿市中心开车1小时路程,还有一个大院子,不过50万美元。

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我们中午聚餐的地方。欧美家庭内,无论大小,让我印象最深刻的是无处不在的大沙发和靠垫,到哪里都可以躺着坐着,特温馨。即使在学校公共走道也是如此。怎么舒服就怎么整,人很容易就放松下来。即使是做为客人,看到这样的家装很快就不觉得自己是客人了。

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这是院子和阳台。

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厨房都很大。一大群人围在一起,上海话说起来就是ga sai wu。这种家庭party在美国很普遍。

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这是个半封闭半开放式的客厅。让我想起来新疆的一句俗语,“围着火炉吃西瓜”。虽然其实并不适合这个天气。

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在这个世界上,拥有一双发现美的眼睛,比拥有美更重要。

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今天的节目做南瓜灯。因为万圣节快到了。首先,先在南瓜头上挖个孔。这个孔必须斜着挖,你知道为啥吗?

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随后,从画册上找到自己想刻的图案,用滚轮把图案转印到南瓜上。看到这个滚轮,立马想到了服装打版,用的是一模一样的滚轮啊。原理也一样。

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通过这道程序,基本上看得出谁平时会做饭,谁不会。我干脆就没碰南瓜,就拍照了。我老妈至今整不明白,这么多年,我在外面怎么喂饱自己的。

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这个上海同济大学国际关系学的教授,费着很大的力气才把图案刻好。很多事,真是看着容易,做起来难。要知道南瓜皮多厚啊。

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这是由教授和小朋友一起合作出来的南瓜图。基本上已经变形得认不出是啥了。

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湛蓝的天空,温暖的阳光,葱葱的树木,还有洒满地面,片片金黄色的秋叶,与一群来自十几个国家的朋友在庭院中一起做南瓜灯,亲们,你可感受到我的幸福?

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南瓜灯做好后,就是这个效果。

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这种活动的乐趣之一就是和其他国家的学者交流。碰到一个越南的富布莱特学者。n年前碰到一个越南人,才知道我们的对越南的自卫反击战在他们的课本里就是侵略战争。偶尔会让我沮丧的是,很多国家的朋友对中国的发展都有些顾虑。我曾经很明确地问他们:“你们国家的人,真的不喜欢中国吗?”他们倒是不至于“讨厌”中国人,但确实担心中国的发展会损害他们的利益。比如经济扩张,可能让更多人失业;以提供经济资助为由,换取土地。我很惊讶地知道,原来中国企业还强拆到国外去了。因为为当地政府提供了经济支援,当地政府也就睁一只眼闭一只眼了。

新泽西Mountain Lake周末游 1/2

新泽西Moutain Lake周末游!

当地市长一个简单致辞!市长独自来去,大家看到他最多握个手,与常人一般,完全不是前呼后拥的架势。

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当地的一对师生合作表演了一首乐曲。美国人的社区生活貌似比我们国内丰富。不过也可能是其实国内社区生活也很丰富,只是我不太关注。我在现在的小区住了十几年,至今不知道我的邻居长啥样。不知道是我的问题,还是社会普遍如此?

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看看这里的农家市场~

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晚餐在另户人家,每一家带一个菜,既满足了各人口味也省得让主人一家子忙活。客人还会和主人一起动手做饭。现在国内,请少一点人到家里吃饭就会尴尬,请大家来,一个人弄体力吃不消,请每个客人自己带个饭菜来好像又有些奇怪。所以最后都在饭馆解决,但是绝对少了家里的温馨与自由。

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和一个来自伊拉克库尔德自治区的男生聊天。一直以为伊拉克就是危险区域,但库尔德因为高度自治,且语言统一,并未卷入战争与暴乱,其安全程度在中东仅次于土耳其。女性受教育程度及就业机会都较高。婚姻方面依然保守,至今不允许男女婚前有性关系,不然会受到法律及宗教的严惩,而且双方必须结婚。虽然宗教上允许一夫多妻,但从法律上看,若要娶第二个老婆,必须得到第一个老婆的书面同意!巴基斯坦男人的确可以娶四个老婆,但这样做的人不多,因为必须对所有老婆一视同仁,买任何东西都必须是4份,似乎房事也要均等,否则老婆可以告老公歧视。老公的精神和财务压力都很大。哈哈,艳福难享啊。

未完待续

纽约时装业年度晚宴

参加一年一度的纽约时装行业晚宴,结果偶遇帕森斯时装学院院长Simon,还就坐在我隔壁!世界太小太小!

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明星走场!时装圈的肯定都知道这两位帅哥吧?哈哈,散场时发现他们就走在我后面,赶快做了回粉丝!

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这两张照片各位看官一定要放大看。因为这是我现实生活中看到的最最帅的男人。全球排名最高的男模,Sean Pry。真是长得太太精致了,特别是那双眼睛!人不高,大概1.75不到,能在一堆高大帅气的男模中混到首席,可见他有多帅!

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哈哈,不到现场不知道,原来明星走场旁边还有人手持明星的名牌的,以免媒体混淆名字和本人。也是,除非是最最顶尖的那几个明星,否则记错名字是很有可能的。问了旁边几个媒体摄影师,发现其实大多数时候他们都搞不清楚谁是谁,具体干啥的。反正任务就是找准最佳位置,拍好照,交差!

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Julia Mackloue. Vbeaute创始人。这身衣服和鞋子真够闪的。

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华裔设计师Derek Lam。

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这是个Gay合唱团,但是音乐确实好听!

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Victor &Rolf在颁奖!

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Alexander Mcqueen的首席设计Sarah Burton。原本就喜欢她的设计,她不仅继承了Mcqueen精致的裁剪手法,更是将Mcqueen原本天马行空的创意带入现实,在保证视觉上的震撼力的同时,又提高了服装的现实性!非常了不起!Mcquuen自己做自己的品牌10多年都没有盈利,相信Sarah会帮他打破这个魔咒!特别是在以男性为主体的明星设计师中,Sarah无疑给女性设计师带来了更多的希望!今天听她本人获奖感谢词,更是喜欢她。每个获奖人的感言都至少在2-5分钟,只有她的只有几秒钟,就是’Thank you xxx. Thank you xxx…’ 几个“谢谢”后便离台了。简单,干脆!喜欢!

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又一个帅哥,小马哥。时装圈的帅哥真不少,可惜大多都非直男。Marc Jacobs也是我个人喜欢的设计师。不过熟悉这些明星设计师的朋友告诉我,这些人的生活根本不是常人可以过的。为了保持良好的体型和年轻的面孔,他们常年不吃饭,而是吃各种药物,保持身材的,保持年轻的,保持营养的…做名人的代价,并非人人承担得起的!

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Oscar De La Renta的新聘创意总监Peter Copping。Oscar De La Renta过世前将品牌重任托付给他。Peter在Marc Jacobs手下干了12年,随后去了Nina Ricci又做了数年。几天前则刚接任Oscar De La Renta的设计!期待!图为小马哥给他颁奖!

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与Diane Von Fursternsberg,时装界的又一个传奇设计师!

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散场时,发现Victor & Rolf居然就走在我后面。赶紧合个影!两人真的都很帅!

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又个小帅哥,新锐设计师,面孔很熟,一时没有想起他的名字。知道的补充下。

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同桌的3个女人,与Deborah和Celine。

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这种场合,怎能少了solo图片?

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《零浪费服装设计》讲座

去看了一场“零浪费服装设计”的小型讲座。就在设计师Daniel的工作室里。

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纽约有个Garment District(服装区),就在曼哈顿市中心。纽约能成为今天的国际时装之都,并有诸多小型设计师逐步成长,这个“服装区”功不可没。从面辅料到加工到特殊工艺都可以在方圆几公里解决,非常适合创业。而这些设计师通常自己有个板房,员工也就3-4个。像Daniel,后排做板房,前端陈列产品。有新品就请客人媒体来,边聊天边介绍自己的产品,客人有兴趣会当场买几件。如果不是非要做大规模,这种商业模式很适合独立设计师。

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开始是设计师介绍零浪费设计的理念。不在行业内做的人可能不知道服装行业的浪费有多大。基本上一批衣服做下来,有30-40%的面料都浪费了。或许你会问这和大家有什么关系,其实关系很大。其一,这些废料会计入生产成本,最后转嫁到消费者头上;其次,纺织服装业是能源消耗巨大的行业,其中以水资源为最。以一件普通的全棉T来说,种植一件棉T的所需的棉花耗水量差不多是1500升,而我们普通人1天饮水量差不多30升。但是,这些棉花做成的衣服,最后要么成为废料,要么成为企业卖不掉的库存,就算有人买回家,最后也基本上闲置了或者进垃圾桶。整个循环是恶性的。

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所以越来越多的欧美设计师开始专注于可持续时尚(看照片就知道感兴趣的人不少)。欧美消费者的意识这几年转变也很快。可持续时尚包含很多种类,零浪费只是其中一种。其实最该改变的恰恰是我国,因为我们是世界工厂,又有着世界级的消费体量。人人都在关心毒空气,岂不知我们每个人都是毒空气的制造者。这些废料,企业库存和我们闲置的衣服大部分最后进入垃圾填埋场,是污染源之一。

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这些是通过零浪费技术所设计的衣服。我必须声明,没有一类可持续时尚是完美的。比如零浪费的衣服,为了尽可能用完面料,设计上有时会让人觉得累赘。又比如,有的可持续时尚为了延长衣服的穿着寿命,会使用上等的面料与工艺,因此价格昂贵,而这又和“时装应该是平等的”理念冲突。“时装应该是平等的”这一理念认为,时装不应该是社会阶层的标志(目前是这样)。服装必须是大家都能买得起的,所以价格不应该昂贵。虽然有许多矛盾,我个人相信随着技术的提高,特别是3d和数码印刷的发展,许多矛盾长远来说不再是问题。

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设计师在讲解他如何从设计上解决浪费问题。这个需要设计师有良好的结构设计概念。

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收集废料是设计师的兴趣之一。未来这些废料都会变成产品。我一向欣赏脚踏实地奔向梦想的人。在近20年里,游历了N多个国家后,我终于确认,这个世界,最值得钦佩的,不是最有钱的人,而是能改变社会的人~当然,有钱人若有心,更容易改变社会。

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SANKUANZ:“新”中国时装

本文原文刊登于《CODIGO》杂志。未经本人授权,不可用于商业出版!

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西藏密宗符号、变形的各类动物、嫩绿色的外星人和“地狱”、“浑”、“呸”、“厉害”等一系列汉字合成超长宽大的T恤上的图案,外搭黑色外套,组成了SANKUANZ新一季的系列。SANKUANZ的设计混合了中国、日本、黑人以及欧美街头艺术等多种族文化,带着几分中国人少有的幽默与玩耍的态度,散发出一种怪诞、叛逆、痞子,还带有些神秘感的味道。SANKUANZ不适合每天必须着西装打领带的职业人士——因为他们太过严肃;也不适合街头的滑板少年——因为他们太过年轻,拿什么都不当真。SANKUANZ是为新兴的精英群体——“创意企业家”——量身打造的。他们大多从事创意工作,身上混杂着男人的精明与男孩的热血朝气,享受工作的同时也享受着人生——“边玩边做”是他们的创业态度。

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SANKUANZ的主创设计师上官喆,百分之百于中国制造。他1984年出生于福建,于厦门大学修读视觉传达与广告学双学位。上官喆大三时开始设计文化衫,起初只是卖给身边的朋友和同学。随后开始有更多的人喜欢他的设计,并为他赚得第一桶金。上官在2008年建立了自己的工作室,并逐步地建立了自己完整的产品线。

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即使到如今,工作室尚不足以为上官喆和他的团队提供稳定的收入,但也不至于让他们穷得揭不开锅。不过收益从来不是这个年轻设计师特别在意的事,他所追求的就是“边玩边做”。他开办工作室也仅仅是因为“好玩”——没有长期目标,没有商业计划,也没有任何所谓的商业策略,有的只是一个“顺其自然”的态度。他不清楚手下有多少员工,也不知道自己手里究竟有多少钱。对上官喆来说,只要做自己觉得好玩的事,生活便是有意义的。

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“玩着做”也是当下许多中国青年人的生活态度。然而其实中国的传统文化从来都很少与和幽默有无关。尊敬长辈、遵从长幼秩序的传统以及固有的保守意识在中国人身上根深蒂固,他们将取笑某种事物或某个人看作粗鲁无一些即使是善意的幽默可能也会被视为“粗鲁”与“无礼”。正因为如此,带着几分幽默几分戏谑的SANKUANZ在2013年登陆上海时装周时,瞬间受到收获了广泛的关注。知名男装杂志《智族GQ》携手SANKUANZ奔赴2014年伦敦时装周,这也是该品牌首次在在国际时装周亮相。显然,《智族GQ》已经注意到了中国时装设计师及消费者的新变化。很多中国年轻人都是独生子女,而父母也甘愿付出一切,帮助子女追求梦想。因此现在很多中国年轻人踏上环游世界的旅途,二十多岁刚毕业就开始创业。得益于中国飞速的经济发展以及全球化的时代,相比他们的父辈,这些年轻人无疑拥有更多的精神自由和经济自由。而国内的种种巨变也使年轻一代更有可能做自己,享受当下,追求梦想。而这些也正是SANKUANZ这类中国新兴设计师品牌的主要消费群体。

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很显然,SANKUANZ已经跳脱出并不符合了传统的中国式审美。长期以来,中国设计师一直在努力地寻找自己的“民族性”。究竟什么是“中国时装”?曾经相当长一段时间里,旗袍、牡丹、灯笼、中国画等符号式元素以及“平和”、“自然”、“和谐”等中国传统价值观成为表现“中国时装”的主流要素。用社会学家皮埃尔·布尔迪的术语来说,每个人身上都带有“习性”——这种习性形成于我们的家庭教育,学校教育,以及社会教育。对于早期曾经历过文革及各类政治运动,从小接受“社会主义好,资本主义冷酷无情”的教育的一代设计师来说,这种似是有意却又是无意的“民族性”本质上是时代的产物,而非某个设计师的选择。但是如今最新一代的中国青年设计师身上不再带有如此鲜明的“中国性”。或者说,SANKUANZ的这种“玩着做”的态度与设计风格,便是最新的“中国时装”。

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很明显,国际观众还没有跟上中国设计师改变的步伐。他们中许多人依然认为中国时装应该带有鲜明的中国特色。国外的媒体有时甚至会将这一观念强加给读者。比如中国设计师Masha Ma在巴黎做秀的时候,有一个记者问她:你之所以用白色,是否因为白色在中国带有某种纪念意义?当然,这并不是毫无根据的判断,因为中国人参加葬礼时的确会穿白色的衣服,但这并不代表中国人只有在葬礼上才会穿白色。事实上,在今天的中国,白色还象征着纯洁、天真和干净。还有一个例子是有关圣马丁毕业生的中国设计师张卉山的。他在伦敦举行发布会时也被欧洲媒体问道:“(作为中国人),中国的文化是否对你的设计产生了任何影响?”在我看来,这根本就是句废话,如前文所提到的“习性”,我们每个人的思维和行为习惯是由其成长的环境塑造的——你若成长于日本,你就会受日本文化的影响;你若成长于美国,你就会受美国文化的影响。在这方面,无论你是哪里人,你都会受当地文化影响。很显然,国际媒体对中国设计的认知远远落后于后者真实发展的速度。

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所以,即便如今中国时装设计师已经踊跃出现在国际时装T台上,从被“欣赏”到“被消费”,中国设计师的国际化进程还有相当长的路要走——这个世界上,什么都容易改变,“观念”却是最难改变的。

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可持续时尚设计师Kareen Smith的trunk show

今天是新认识的闺蜜设计师Kareen的trunk show。Kareen是可持续时尚设计师,所有衣服是用奢侈品牌的面料余料做的,所以她做的衣服都是名副其实的独此一件,这条裙子也是。虽然Kareen设计的时候并不知道谁会买这件衣服,但是穿到我身上正好,现在是我的啦!

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中式领格子大衣。

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Dorothy是哥伦比亚大学历史系教授,也是Kareen的忠实粉丝和闺蜜。我们仨因为对fashion的热爱而相识相知。每一季Kareen的trunk show,Dorothy都热情地腾出自己的公寓来招待客人。这里就是她的家。

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Kareen用旧毛衣改造的两款毛衫,手感很柔软,都是羊毛。对于非时尚爱好者来说,时尚似乎常常只意味着肤浅与虚荣。的确,相对而言,这个行业确实有更多的浮躁、肤浅和物欲。但是你对时尚的态度其实也反映了你对生活的态度。就像金钱一样,金钱本身都没有对错,重要的是你怎么赚钱和怎么花钱。时尚也是如此,重要的是你对时尚的定义。如果仅仅为了攀比价格的高低和品牌的贵贱,那确实太没品味了。

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Trunk show就是在这里完成的。

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纽约艺术与设计博物馆

纽约的宝贝之一就是大大小小的博物馆艺术馆和画廊。若要成为“文化之都”或“创意之都”,我以为这是不可或缺的部分。无论是上海还是北京在这方面相差甚远。今天特意去了“艺术与设计博物馆”。这是大堂一角。

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大堂吊灯设计。

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博物馆最高楼层,是开放式的training room。参观者可以在这里与艺术家互动,学习艺术创作。目前参与者多为学校组织的学生。这是组孩子们用纸板创作的鞋子。

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艺术家创作的女性身体。无论你身处哪个领域,任何时代,这都是个永恒的主题

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“教育”也同样是永恒的话题。这是一组由中学生创作的关于“教育”的作品。该作品中的文字分别是,“教育需要票子”、“(教育)无用”、“(教育需要”)创作力”。

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来自世界各地的学生们都可以把自己对当今教育得看法和未来的展望留在贴纸上。

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这个孩子表达的意思是,“不是只有坐在教室里上课才是“教育”,教育其实无处不在。即使是外出旅游也是教育的一种方式。比如学习怎么安排路线,如何买票,订酒店,都是学习。

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这个孩子表达的意思是,教育不应该让分数成为唯一的衡量方式和标准,而是像一棵树有许多分支一样,教育的衡量方式应该是多元化的。

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这个孩子表达了做学生的痛苦和担忧。抑郁、肥胖、成绩以及家长老师各种期望和教导,让他们深感生活的沉重。因此,他们常常不得不依靠药物或者其他负面方式来宣泄自己的情绪。

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这是一组NYC makers的作品。所有艺术家都是纽约本地设计师。作品先通过300位意见领袖、设计艺术评论家的广泛推荐,最后由10个评委组成的评审团评出参选作品。这是个多面人头像。不过所有人面都是一个表情。若能用不同表情表达人的多面性会更有意思。

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纺织品。NYC maker提倡手工制作。关于工业化与手工作业的利弊一直争议不断。但我认为即使手工业要重新振兴,也不可能再回到19世纪之前的原始手工的状态了,不然工业革命的意义何在?特别是现在许多高科技已取代了许多手工作业的功能。当然,我也相信手工总有不可替代的部分,也就是其存在的意义。

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绘画与影像的结合。现在跨界无论是在艺术、学术、行业都更流行。

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人体做画布已经越来越流行。

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霓虹灯椅子。

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个人最喜欢的作品。不仅是因为其脸部造型优美,主要是作品本身只有黑色和银色,借助墙面的霓虹灯光投射到脸部,产生了五颜六色的光,且若有若无,很有意思,非常符合纽约这座城市的个性。

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霓虹灯下的唱片盒。一个都市的暧昧。

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帽子在欧洲服装史上占有重要的地位。即使今天,许多欧美女性还是将帽子视为不可缺少的饰品。

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凤凰。

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将日常用品“玩具化”挂在墙面上。

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纺织艺术品!

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铜器作品。

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抽屉。

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粘土作品。

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乐谱架。

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Joyce Scott.擅长用玻璃和珠子做雕塑作品,所用的制作工艺均来自世界各地的民间。她为此周游世界,收集学习各国古老的手工艺,用最传统的技艺来表达创意。

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Joyce Scott的作品。未曾想到,小小的珠子可以创作出如此丰厚的内容。

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Joyce Scott本人是非裔。成长过程中多次因为性别和肤色而受到不公正的待遇。因此,其作品的表达多与社会与政治相关。其实,艺术不仅仅可带来美感,其更深刻的意义是引起人们对社会得反思,从而期望使社会中不公正的现象得到改善。

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五国优秀青年设计师@Codigo

给墨西哥高端时装杂志Codigo写的时装评论今天出版了。Codigo在西语系的影响力相当于I-D杂志在欧洲的地位,属先锋前沿性质。本期他们找了5个国家的作者各写一个在本国有一定影响力的青年设计师。我负责写一个中国的设计师。他们起先想让我写一个正在欧洲发展的中国设计师,但是查了下她的资料,发现她4岁就移民法国,只是中国血统而已。本想写马可,结果要求30岁以下。搜寻了遍,决定写上官。一方面,他是百分百中国制造,从未接受海外教育,能代表纯粹的当代中国青年;其次,他的设计风格有突破中国传统思维的东西,中国人不算幽默,但他的风格里却混合了幽默、痞子、街头的元素,同时也有严肃的文化。待中文翻译出来,再请大家评论。

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荷兰设计师Iris Van Hetpen。严格意义上来说,她是个概念设计师,主要探索通过将传统手工艺和高科技结合的设计手法,表达女性对身体、欲望、情绪及文化的定义。

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J.W.Anderson,本组设计师中可能商业上最成功的一位。北爱尔兰设计师,08年登陆伦敦时装周,品牌已在几个主流商场和买手店售卖,比如Saks、 Pret-a-porter(线上)、Corso Como,、Joyce等。

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Una Burke,也是概念设计师。主要使用植物鞣革做为设计材料,灵感则大多来自军服与医疗。

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伦敦本土男装设计师Craig Green。一看就有明显的圣马丁风格吧。圣马丁就是在不断“颠覆传统”,“打破规则”。(相对来说,若是投资人要投设计师,肯定是投帕森斯的设计师才可能有回报率)。

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纽约修道院艺术博物馆(The Cloisters)参观记

纽约的修道院艺术博物馆(The Cloisters),在纽约上城区崔恩堡公园(Fort Tryon Park)内,是纽约大都会艺术博物馆的分馆。崔恩堡公园由中央公园设计师的儿子设计,由翰·D·洛克菲勒三世赞助。整个建筑参照中世纪风格,展示了风格的演变过程。从早期厚实方形的罗马建筑风格,到拜占庭的帆拱结构,再到高耸入天的哥特风格。这些建筑风格主要区别一是看顶部和门廊设计。顶部的拱顶,平顶,十字型拱顶,主要解决不同的顶部承重问题及视觉感;门廊也是,圆形拱顶,尖形拱顶及直线形都有不同的承重能力。二是看雕塑,立体还是平面设计,都属于不同时代风格。

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圣母和耶稣像是西方宗教艺术最普遍的主题之一,主要是耶稣诞生时和圣母的合像以及耶稣上十字架后圣母拥抱耶稣的雕像(圣经中并未提及此场面,属于艺术家的想象)。不过不同时期的艺术家对这两个人物的想象有更大的不同。这个属于早期风格的作品。这个作品中,原本应该是儿童时期的耶稣被明显成人化了。根据耶稣的身体尺寸及坐在圣母腿上这一姿势,可以看出属于孩童期,但其脸部造型及表情都是成人化的,此外,为了体现其“神性”的一面,耶稣双手的手势(左手举起,右手持旧约)采用了当时人们认为的耶稣的标准姿势。圣母玛丽亚在这里也做了夸大设计,上身比例明显长于下身,手掌大于一般尺寸,手指细长。

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同样是圣母和孩童时期的耶稣像,这是哥特式的早期风格。耶稣依然是又似成人又似孩童的形象,同样的姿势,面部表情具像并柔和许多。

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这是哥特风格后期作品。相对于早期的耶稣像,这里的耶稣成为一个真正的孩童,有着普通孩子的顽皮(比如抓住母亲的辫子)和朝气(开心的表情)。进入后期,艺术家开始突出耶稣的人性(早期则突出他的神性,所以大多表情严肃,正襟危坐)。

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耶稣受难后。这里耶稣是成人形象,但是其身体比例相对于圣母的小许多。后人对此的解释是,认为艺术家想表达的是玛丽亚作为一个母亲,看到自己的儿子死亡后,想象着他从孩童成长到成人的点滴生涯。这里艺术家强调的也是圣母作为母亲的人性一面。和所有的母亲一样,表达了其伤痛欲绝的情感。

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这是进入文艺复兴时期根据圣经所做的雕塑。文艺复兴的重要特征是人文主义精神,而在此前,过多地强调了神的作用并否定了人的价值。此处体现人文精神的细节是每个人的站姿变化。从中间的耶稣,到左边的施洗约翰,到右边的圣玛加利,都把重心放在一条腿,另一条腿处于休息状态。这个和普通人的平时站姿一致,再次突出圣人的人性一面。

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圣母传报图。该馆的重点藏品,文艺复兴荷兰作品。在此前,艺术作品都不记载画家名字的。记载的只有赞助人(出资人)的名字。艺术家的地位也是文艺复兴后逐步得到提高的。

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天使加百利向玛丽亚报信,说她即将从圣灵受孕,成为耶稣的母亲。左上角有个小精灵乘金色光线飞入,预示耶稣即将降临。

2014.918

木匠约瑟夫,即耶稣的肉身父亲(虽然玛丽亚是从圣灵受孕)。文艺复兴时期的绘画作品相对于从前,开始多了生活场景的设置(突出人文精神)。画面不再仅仅是圣人形象。

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本画作的出资人及其妻子。虔诚地跪在门口,看着神圣的画面。

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可持续品牌Wabi Sabi

Wabi Sabi可持续时尚品牌3年前诞生于西班牙,目前主要在欧洲销售。Wabi Sabi是日本重要的一个美学观点(有些类似于“含蓄美学”在中国美学的地位)。这种美学提倡“非完美,非永恒,未完成”,这也正是70年代那几个日本设计师代表人物用来颠覆西方传统美学观点的方法。这种美学具体的代表形式包括不对称、粗糙(不代表质量,而是美感)、简约、经济、原始、朴素、谦卑……

可持续时尚现在欧洲很火,特别是在德国和北欧,几乎有成为主流的趋势这次Wabi Sabi到纽约来拓展市场。

看看这些欧洲独立设计师是如何拓展海外市场的。顺便说下,这个模式很普遍,也没有想像的难或者昂贵(我预备明年在纽约做show room,主要推中国设计师,有兴趣的另外私信联系)。当然也不是说一切都很简单,但是肯定是mission possible。比如这个设计师,西班牙人,趁时装周期间租一个空间(纽约这种短期租赁给时装展、画廊,或者party的地方很多,费用比国内便宜很多),随后通过PR公司或者自己的圈子,请大家来看产品线。有行业买手,也有消费者直接买了自己穿,我今年几套衣服就是这样订的。这些设计师牌子基本上零售价在200-1000美元不等。

 

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简单的drinks and snack是必不可少的。不过房东可以帮忙准备这些。

 

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这种小型的trunk show最大的好处就是设计师与客人之间的交流完全是朋友式的,而非商业式的。许多设计师并不希望规模变大,他们就喜欢这种完全私人式的服务。一般这种设计师公司里就2-3个人,大部分工作外包。

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纽约街头的“车店”。

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